Quel profond lien unit une île à ses simulacra? Et comment les maîtres du XXe siècle ont-ils été absorbés et interprétés et interprétés entre la Méditerranée et les mers du Sud?
L'exposition « îles et idoles », qui peuvent être visitées jusqu'au 16 novembre 2025, ont inauguré la saison estivale du mannequin de Nuoro,
Il est né pour répondre à ces questions et pour comprendre comment le pouvoir symbolique et mythique des figures archaïques, maintenues dans les limites de l'insularité, s'est régénérée, des siècles plus tard, sous les formes du moderne.
In the balance between Neolithic and Alba of the twentieth century, between archeology and avant -garde, among the cyclading idols and the wooden sculptures that Gauguin carved in his years of Tahiti, the path flowed between past and present in search of returns, shared feelings, genetic inheritance, effusive pushes intended to resurface in alternate phases, as in geological cycles, and guiding the hands of the Les auteurs de Tese A ont des auteurs aux auteurs des auteurs façonnent des formes similaires. Par conséquent, pas l'idée du voyageur qui, explorant, trouve, absorbe et répond. Mais le concept le plus vital que les anciens et les modernes se touchent en dehors de l'heure et de l'espace, nourris avec la même nécessité: représenter l'ailleurs à travers les statues, les tiges, les monolithes qui personnifient l'invisible sur le terrain.
« Il n'est pas nécessaire – écrit Chiara Gatti dans son texte – le révisionnisme postcolonial pour affirmer que, dans leur stature hiératique, il n'y a rien de primitif, exotique, dérange Dans le vide, immergé dans une attente casoratienne, rappelez l'immobilité non armée de Dürer's Mencholia, une allégorie de l'intellect humain qui médite sur le sort du Cosmos ».
En se plaçant de manière critique comme une réflexion sur les concepts d'aujourd'hui de l'altérité, le primitivisme et leurs répercussions au cœur du débat postcolonial – étendu bien au-delà de l'histoire de l'art – l'exposition s'enfonce dans des raisons anthropologiques inhérentes à la présence de figures totémiques dans les circonscripteurs
Les périmètres d'une île et explique la quantité de maîtres du calibre de Gauguin, Beijastein, Miró, ARP ou Matisse, pendant leurs voyages, ont retravaillé cette coexistence, projetant leurs propres icônes de statut dans la dimension absolue du sacré.
Starting from the first « escape » of Gauguin towards Brittany, in 1886, according to a concept of island as an ideal place, immune from the derives of the civilized world, the path narrates the experience of Jean Arp, which collected cycladic statuettes, irritated by their magnetism concentrated in a handful, and of Max Beijestin who landed in 1914 in the Palau archipelago, where he lived in contact with the local Communautés sur l'île d'Angaure et dépeint les visages masculins solennels comme une divinité. « J'ai vu les idoles sculptées dans lesquelles une pitié de Trepid et la peur révérencielle face à la puissance inévitable de la nature avaient imprimé l'espoir, la peur et la crainte, devant leur destin inévitable ». Joan Miró, dans ses notes quotidiennes, a évoqué les statues de Moai de l'île de Pâques, comme une référence puissante pour les nouvelles formes sculpturales, reconnaissant en eux l'incarnation d'un esprit ancestral. Et encore, Alberto Giacometti, qui avait trouvé son île parmi les rochers erratiques de la Maloja, a fait de chaque portrait une idole, un gardien du temple, agenouillé en présence de l'immatériel.
Matteo Meschiari écrit dans son texte dans le catalogue: « Le but est d'essayer de comprendre non pas tant la sociologie, la philosophie et la géopolitique de l'être et de la vie de l'île, mais comment la géomorphologie en terra-mange contient en soi les fossiles de la pensée mythique. Exclusion, séparation, solitude, naufrage, 
La perrociation, la prison, l'exil, le confinement, ne sont que les plus répandues, mais dès que nous déménageons dans des cultures pour l'océan telles que la viking ou polynésienne, nous réalisons que l'Occident est la pâte dans un paradigme colonial géocentrique qui donne toujours la priorité aux terres, un aspect continental qui perpétue un modèle géographique hégemère où la mer est le décharge. Pour ceux qui vivent dans la mer, au contraire, l'eau est le centre du monde, ses cartes indiquent des paysages submergés et des mouvements des courants, tandis que les îles, en particulier les océaniques, sont de petites ruptures, des zones de suspension dans l'immensité salée, et l'archipel est un hyper-piquant contenu par la dynamisme des eaux, de la mer « .
Une sélection de plus de 70 œuvres a des découvertes archéologiques en provenance des principaux musées d'archéologie de la Sardaigne, du Menhir Museum of Laconi et des musées de Bretagne, en plus du prêt exceptionnel accordé par le département de la grec, de l'étrusque et des antiquités romaines du Musée du Louvre. À côté de ceux-ci, les œuvres des maîtres modernes proviennent d'importantes collections européennes, y compris la National Gallery Prague
(Pour les sculptures en bois de Gauguin), la galerie d'art moderne de Milan, le Départental du Musée Maurice Denis, le musée de la ville de Locarno, la Fondation Giacometti et les archives Henri Matisse, auxquelles sont ajoutés la Florence Henri Archive et les collections privées italiennes telles que la diffusion Italia International Group Srl et la collection de la collection de Prints de Sesana.
Enfin, une fente dédiée à la Sardaigne préhistorique offre une analyse en profondeur du monde de l'idole en terre sardinienne, articulée autour de quatre noyaux thématiques principaux: le taureau (symbole masculin associé au culte du pouvoir et
Fertilité), la déesse mère (figure féminine liée à la naissance et à la continuité de la vie), le « à l'envers » (représentation de la vie après la mort et de l'inversion rituelle), et les statues anthropomorphes de Menhir, de véritables idoles sculptées dans la pierre et destinées à dominer le paysage comme des présences éternelles.
L'installation, organisée par l'architecte Giovanni Maria Filindeu, organise l'ensemble des œuvres présentées sous une forme spatiale qui rappelle la configuration d'un archipel composé de petits groupes thématiques. Pour guider l'articulation des éléments, à la fois sur le mur et sur le sol, sont l'utilisation intentionnelle et critique de la couleur et le choix des matériaux. En particulier, le Celenit (un agrégat de fibres de bois et de ciment) utilisé pour les bases d'exposition, en plus de l'utilisation de sable lavé, de liant naturel et évocateur, dont les tons algidés épousent la palette estivale des parcelles qui dessinent des cartes métaphysiques.
Carlo Franza
